La otra versión

Roxanne

2010-03-26T14:12:00.000-07:00

Hace ya tiempo que ha caído la noche. De nuevo nos encontramos paseando por las tumultuosas calles del barrio rojo de París, entre los sex-shops y los sórdidos bares de Pigalle. Nuestro hotel queda cerca de allí, y lo que una vez fue una simple escapada nocturna ya se ha convertido en un hábito. Tras salir del Nashville Club, dejamos atrás el Moulin Rouge y nos internamos por una callejuela apenas iluminada, entre el vocerío de un grupo de borrachos que celebran su desgracia a empujones.

La puerta chirría levemente al abrirse y somos recibidos por una bofetada de calor y perfume barato, mientras entornamos los párpados hasta acostumbrarnos a la penumbra, levemente rota por débiles luces de tonos rosados. Pesadamente, apoyamos nuestro cuerpo en la barra y pedimos lo de siempre. La bebida de siempre, al camarero de siempre, que nos mira con la misma frialdad de siempre. Y cuando nuestro tercer vaso está a punto de vaciarse, aparece ella. No es la primera, ni la segunda… ni la décima vez que la vemos. De hecho, si estamos allí es por ella.

Roxanne, mujer de mala vida. Roxanne, chica de la noche, cuyo nombre real desconocemos. Sólo sabemos que eligió su nombre de guerra en homenaje a la novia de Cyrano de Bergerac. Roxanne, hembra de moral laxa… pero no nos importa. Porque, si estamos allí, es por ella.

Cansada, acalorada, se percata de nuestra presencia. No le incomoda, pero tampoco le llena de alegría. Sabe que, una vez más, tendrá que escuchar nuestra milonga habitual, o cualquier variación de la misma. Pero el negocio es el negocio. Si invitamos a copas nos escuchará, como haría con cualquier otro. Pedimos la cuarta para nosotros, la enésima para ella, y nos lanzamos al abismo de las palabras y los sentimientos.

Su rostro no cambia mientras insistimos. Aquél no es lugar para ella, no es oficio para ella. Nadie debería obligarla a ponerse ese vestido, a salir de noche buscando dinero escondido en la lujuria de cualquier bala perdida. Pero a ella poco parece importarle. No se plantea si lo que hace es correcto o no. Simplemente es su trabajo, y así nos lo hace saber mientras pedimos otras dos copas. Pero a nosotros nos mortifica.

No queremos hablarle con desprecio y, a pesar de conocer la inutilidad de nuestras palabras, no podemos evitar decir lo que sentimos. No queremos compartirla con nadie más, no queremos que siga por ese nefasto camino que emprende noche tras noche, desde antes del ocaso hasta poco después del amanecer. No, ese no es el camino correcto, ni para ella ni para nosotros. Juramos, a ella y a nosotros mismos, que ésta será la última vez que lo repetiremos. Pero Roxanne sólo altera la inexpresividad de su cara para sonreír con cierto rictus de desdén.

Apuramos los restos del empañado vaso y nos despedimos para seguir, una vez más, direcciones opuestas. Nosotros, hacia la ahora silenciosa callejuela donde empiezan a filtrarse los primeros rayos del sol parisino. Ella, hacia el interior del local, donde un hombre de facciones desencajadas y ojos enrojecidos espera.

Mientras el frío de la mañana se agarra a nuestros huesos, volvemos lentamente al hotel pensando en lo inútil de nuestras palabras. De nada ha servido rogar. La luz roja de su cuartucho seguirá encendiéndose a pesar de nuestras súplicas, a pesar de confesar que estamos enamorados de ella. Y volvemos a jurarnos, esta vez ya sólo a nosotros mismos, que no volveremos.

http://www.larevelacion.com/Musica/roxanne.html

"Roxanne" es un hit del grupo de rock británico The Police, lanzado como sencillo primeramente en 1978, relanzado al año siguiente aprovechando la creciente fama de la banda. Fue el segundo sencillo oficial de la banda, y posiblemente uno de los más conocidos y exitosos. Además forma parte del primer disco de la madre banda, Outlandos d'Amour, así como del disco en vivo Live. Sting había concebido "Roxanne" originalmente como una Bossa Nova, aunque Stewart Copeland derivó el ritmo final hacia un tango.

El Tango no es argentino.

El Tango, como todos piensan, es argentino. Pero el tango muere de cansancio en cuanto hay entre las casas una distancia mayor a 200 metros. Lo que quiero decir es que el tango es una música de ciudad y por eso no puede ser típica para todo un país, y menos de un país que prácticamente es un desierto. (…)

Si nos fijamos en el lugar de nacimiento y de la vida de la mayoría de los autores y compositores, directores de orquesta, cantantes, músicos y seguidores, el tango no es argentino, sino porteño (de Buenos Aires). Gracias a las tradiciones musicales en las que se basaba (el candombe y las milongas africanos y españoles, la habanera cubana), el trágico son y dramáticos textos (canciones neapolitanas), lengua (castellano rioplatense) , el origen de sus más grandes creadores (aún inpreciso y no aclarado del todo), instrumentos (el bandoneón es alemán, una típica orquesta es un reflejo folclórico de una orquesta de sinfonía, con instrumentos italianos y europeos), hasta el nombre (africano), el tango es mundial (una vez más lo vuelvo a repetir, no internacional, sino mundial, o sea de todo el mundo).(...)

He aquí una anécdota que comprueba esta tesis: un músico que tocaba el tango no podía entrar en su apartamento en Nueva York, cerrado por dentro y pidió ayuda a un chico argentino de Brooklyn, nieto de italianos, que acababa de encontrar por casualidad por la calle. El chico sube las escaleras de afuera, entra en el apartamento y despierta al cantante (Carlos Gardel, que hasta hoy no se sabe si era francés o uruguayo), y le dice que abra la puerta al violinista. Cuando los músicos le dan las gracias, el chico les dice que sabe tocar el bandoneón, porque lo había aprendido con un maestro húngaro. El famoso Gardel muestra su interés por el chico (que es el mismísimo... Piazzolla) y le pide que toque un tango. ¿Y qué le dice en español este cantante francés o uruguayo al chico argentino de origen italiano, crecido en Estados Unidos que había aprendido a tocar el bandoneón alemán gracias a un músico húngaro? Le dice: „¡Chico, tocas el bandoneón como un español!” (esta anécdota está relatada en la biografía de Astor Piazzolla por Natalio Gorín).

Para terminar: a pesar de nuestras costumbres mentales que nos hacen llamar cada cosa por su nombre para definir su origen, el tango (igual que la República Argentina) no se deja clasificar y adjuntar a una nación definida y en vez de eso oscila entre lo sencillo y lo universal. Se trata de un fenómeno que el escritor anglosajón Roland Robertson llamó „glocalización” que quiere decir: globalización de sitio.

También lo podemos decir en estilo papal, que de manera ideal va con Roma, el lugar de origen de estas reflecciones, el tango es Urbi et Orbi. Y para ser más provocativo: el tango no es argentino, entonces no importa lo que digan numerosos nacionalistas que hablan de él sin siquiera saber cantarlo o bailarlo.

Artículo: El Farolito (julio 2003) Autor: Fernando Iglesias

Un arreglo de José Feliciano convierto esta pieza en la mejor canción de la película musical Moulin Rouge. En el 2008 el grupo "Al Tango" la incluye en su primer album Tanga Swiata a fin de mostrar al mundo que el tango no es argentino. Piotr Rafałko canta los tangos recogidos en el disco en numerosos idiomas: polaco, castellano (rioplatense), ruso, alemán, turco, francés, finlandés, yiddish, eslovaco, rumano, italiano y checo.

Pump Up the Jam

2010-03-25T19:51:00.000-07:00

Ya Kid K

De los muchos proyectos que dominaron las listas de popularidad a principios de los 90, pocos fueron tan populares o con una historia de éxito inesperado como Technotronic. Emergiendo desde Bélgica - que no es precisamente una cuna musical - este grupo multicultural ayudó a transportar los profundos bass grooves y el insitente beat de la música de los clubes house a la corriente principal del pop; irónicamente lo lograron ocúltandose largo tiempo bajo la fachada fotogénica de una modelo de modas de origen africano, de la cual se dio a conocer después que no participaba en las grabaciones. En realidad Technotronic es la creación de Jo Bogaert (Thomas de Quincy su verdadero nombre), un profesor de filosofía norteamericano que se mudó a Bélgica en los 80 con la esperanza de convertirse en productor musical. Lo que Bogaert intentaba era fusionar el house con el hip hop y con ese fin envió demos a varios raperos, incluídos el galés MC Eric y la adolescete zaireña Ya Kid K (Manuela Kamosi), en aquel tiempo integrante del grupo belga de rap Fresh Beat Productions.

El primer sencillo de Techtronic, "Pump Up the Jam" de 1989, fue un hit arrasador en Europa y posteriormente en los EE. UU. Mientra que en la grabación se escucha el rapeo de Ya Kid K, ella no aparece en el video, en su lugar aparece la modelo zaireña Felly haciendo playback; los fanáticos no imaginaron que Felly ni se acercó al estudio de grabación y que en realidad no hablaba una palabra de inglés. Ella además aparecía en la portada del album debut de Techtronics, Pump Up the Jam: The Album, difuminando aún más la línea entre ficción y realidad; al final Bogaert admitió que los servicios de Felly fueron usados puramente para arraigar "la imagen" del grupo. Cuando en 1990 Techtronic saló de gira para promocionar el hit "Get Up! (Before the Night Is Over)," Ya Kid K y MC Eric estaban solos tras el microfono, y Ya Kid K interpreta justamente el video. El album Trip On This: The Remixes llegó pronto, y en 1992 Ya Kid K se lanzó de solisata, apoyada por Bogaert como productor; su album debut, One World Nation, tuvo éxito con "Move This," originalmente una pieza de Technotronic que se convirtió en sencilo tras su aparición exitosa en un comercial de comésticos. En 1995 el regreso de Technotronic con Recall no fue exitoso.

~ Jason Ankeny, All Music Guide

Pump up the jam
Pump it up
While your feet are stompin'
And the jam is pumpin'
Look at here the crowd is jumpin'

Pump it up a little more
Get the party going on the dance floor
Seek us that's where the party's at
And you'll find out if you're too bad

I don't want a place to stay
Get your boody on the floor tonight
Make my day

La otra versión (Manouche jam)

En el Conservatorio de Música de Quebec (Canadá) en 1994, Byron Mikaloff (ex One Ton y Bunka Busta) y Christian Roberge, comenzaron una amistad que los ha llevado a colaborar en varios proyectos musicales. Después de muchos años de actuar como dúo, los dos amigos fundaron The Lost Fingers (Los dedos perdidos) en 2004. Con la intención de seguir desarrollándose e innovando, unieron al grupo al joven y talentoso bajista Alex Morissette en 2006. En un ejercicio de saber musical unido a un agudo sentido del humor, el trío decidió unir sus voces únicas para crear un ingenioso homenaje a los años 80 con el swing gitano del estilo "jazz manouche" inspirado por su mentor, Django Reinhardt, y que ha culminado con la publicación de su estupendo álbum de debut Lost In The 80’s.

Con aire de gipsy jazz, en el disco suenan canciones de Technotronic (Pump Up the Jam), Bon Jovi (You Give Love a Bad Name), AC/DC (You Shook Me All Night Long), Céline Dion (Incognito), Samantha Fox (Touch Me), Stevie Wonder (Part-Time Lover), Kool & the Gang (Fresh), Michael Jackson (Bilie Jean), George Michael (Careless Whisper), Soft Cell (Tainted Love), Paula Abdul (Straight Up) y Alanna Myles (Black Velvet). Música estimulante, agradable, estupendamente cantada y tocada, sorprendente. Una de las joyas que nos trae escondida cada temporada para alegrarnos la vida. Y vamos a escuchar a The Lost Fingers porque Lost In The 80’s se publica en España el 24 de marzo y su música es la que suena en la campaña promocional de la nueva Mahou Premium Light.

En la primera semana de su lanzamiento el 6 de mayo de 2008, la primera edición de Lost In The 80’s se vendió por completo en Quebec. Con ocho semanas en el nº1 en las listas locales y alcanzando el nº2 en el el top nacional, en tres meses alcanzó el Disco de Platino en Canadá y fue el artista debutante más vendedor de su país en 2008.

http://www.bangbangmusica.com

Concierto de Aranjuez / Spain

2009-07-29T18:59:00.001-07:00

Si bien Spain de Chick Corea sólo toma el Adagio del Concierto de Aranjuez como introducción, no podía desperdiciar la oportunidad de mostrarles el anterior documental.

Spain es una composición de jazz fusión instrumental y es la pieza más conocida de Chick Corea, y considerada un standard de jazz moderno. Corea la compuso en 1971 y la plasmó en el album Light as a Feather acompañado por Airto Moreira (tambores), Flora Purim (voz y percusión), Stanley Clarke (bajo)y Joe Farrell (flauta).

"Si hay una canción con la que los escuchas me reconozcan mejor creo que esa canción es "Spain", ya que es de la que tengo más pedidos y la escucho mencionar más que las otras. La escribí en 1971 y la toqué frecuentemente con RTF y otras de mis bandas." Chick Corea

Esta pieza la ha adaptado y rearmonizado Chick Corea infinidad de veces, reinventándola en cada disco y concierto que presenta. Son muchas las grandes versiones destacando la extraordinaria interpretación en el Palau de Bárcelona con Jorge Pardo (saxos y flauta),Carles Benavent (bajo eléctrico), Rubem Dantas (Percusión), Tom Brechlein (Batería) y los bailaores Auxi Fernández y Tomasito.

parte 2 parte 3

Una interpretación que me ha cautivado es la que realiza Corea con Hiromi Uehara en dúo de pianos. Niña prodigio con formación en piano clásico, tiene un encuentro con Chick Corea cuando ella tenía sólo 17 años lo que cambió definitivamente su tendencia hacia el jazz. Poco después viajaría a la prestigiosa escuela de Berklee en Boston, EEUU, para desarrollar sus cualidades como pianista y compositora.

Su primer disco fue una verdadera revelación para el mundillo del jazz y la colocó como la virtuosa más importante dentro de su instrumento en el estilo. Su ópera prima, Another Mind (2003), es un fantástico disco en donde demuestra de forma sensacional sus grandes dotes como pianista, pero aún más, las alucinantes composiciones que esta tímida asiática de entonces sólo 23 años fue capaz de realizar. Composiciones que tanto en calidad como en rapidez, quizás se pueden esperar de músicos con vasta experiencia en el género. Luego vendría un disco con tonalidades funkys, Brain (2004), y otro más centrado en la balada jazz, Spiral (2005), ambos de también calidad superior. simplementejazz.blogspot

Hiromi explica en el album Duetos: "Diez años pasron y en el Tokyo Jazz Festival 2006 toqué con Chick nuevamente. Después del concierto, sugirió que grabaramos un CD juntos. Me quedé sin habla durante un minuto... Un año después tuvimos tres noches de búsqueda de tesoros musicales en el Blue Note Tokuo. Estaba inspirada, lo disfrute y aprendí algo cada segundo." Hiromi Uehara

Disfrútenlo.

Teen Spirit

2009-06-01T21:23:00.000-07:00

Smells Like Teen Spirit de Nirvana

Muchos consideran a "Smells Like Teen Spirit" como el himno de los noventa, y más aún, como el himno de la Generación X. Lanzada en 1991, la canción llegó en una escena musical que veía el fin de la popularidad del hair metal de los años ochenta. La canción, acompañada por su famoso video musical, hablaba sobre una imagen de rebeldía adolescente que fue muy bien acogida por su audiencia. Se considera con gran unanimidad a "Teen Spirit" como la canción más famosa del género grunge, y su popularidad le abrió las puertas a numerosas bandas de este género.

En Heavier than Heaven, la biografía de Kurt Cobain escrita por Charles Cross, se dice que la canción hace referencia a la ruptura de Tobi Vail con Kurt. Este argumento se basa en varias cartas publicadas en el libro sobre los diarios de Cobain (Journals), como "Por qué no lloras cuando estoy aquí / Oh sí queremos lo que es mejor para ti" y "Quiénes serán el Rey y la Reina de los adolescentes reprimidos".

Sin embargo, Cobain no creía que las letras tuvieran ningún significado específico. En una entrevista con la cadena musical MTV dijo: "Me doy cuenta que la gente espera... un ángulo más temático con nuestra música, sabes - ellos quieren "leerla". Pero lo que hice fue colocar pedazos de poesía y sólo basura y material que me encantaba en aquel entonces, y muchas veces escribo letras sólo en el último minuto porque soy muy perezoso, entonces... entonces no entiendo porque la gente intenta buscarle algún significado..." Cobain no usó esto como ejemplo de cómo sus letras podrían no tener significado alguno, sino como la demostración de que una canción no necesariamente ha de tener algún significado (cómo "Smells Like Teen Spirit", siendo de una ruptura, o sobre una "revolución" - cómo ha sido generalmente sugerido). Otra interpretación posible de las letras fue hecha por el bajista Krist Novoselic "Kurt odiaba el 'mainstream'. De eso se trataba 'Teen Spirit'. La mentalidad conformista de la gente"

"Teen Spirit" es una marca de desodorantes estadounidense que vende la empresa Colgate-Palmolive. Cobain tomó el nombre de la canción cuando una amiga, Kathleen Hanna, cantante de la banda de punk Bikini Kill, pintó con spray "Kurt Smells Like Teen Spirit" en su muro. Debido a que estaban hablando sobre anarquía, punk rock y temas similares, Cobain lo tomó como un eslogan de esta causa. El significado verdadero del mensaje de Hanna, era que Kurt olía como el desodorante, que Vail (por ese entonces novia de Cobain y compañera de banda de Hanna) usaba, queriendo decir que Kurt olía como una mujer. Cobain alegó que no sabía que era una marca de desodorantes, y finalmente estuvo de mal humor porque un producto era mencionado en la canción. En los meses posteriores al éxito de la canción, Colgate-Palmolive creó una campaña publicitaria para tratar de hacer algún beneficio por la conexión.

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With the lights out
It's less dangerous
Here we are now
Entertain us
I feel stupid
And contagious
Here we are now
Entertain us

Swings Like Teen Spirit

Generalmente se escuchan covers de canciones antiguas con ritmos modernos (a veces nada antiguas y en versiones soft o pop). Pero ¿cómo se escucha una canción del grunge de los noventas, de la generación de la depresión, sin rumbo, sin futuro y en el desmadre, cuando se lleva a los alegres años del swing, donde la modernidad y el futuro eran brillantes?

Paul Anka saca de todo contexto la canción, y aunque la letra sigue sin hacer sentido alguno, se convierte en una chabacanería. Rodeado de muy buenos músicos y con un arreglo musical de gran calidad, parece que la canción fue escrita hace cuatro décadas. El colmo es el gusto con el que canta Hello, hello y contagia el slam, digo el swing.

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Smells Like Nirvana

Y no podía faltar la parodia de Weird Al Yankovic, burlándose de que no se entienden ni la letra, ni lo que canta Kurt Cobain.

Spiritual

2009-05-23T22:54:00.000-07:00

Spiritual
de Josh Haden

Original interpretada por Spain

Jesus
I don't wanna die alone

My love wasn't true
Now all I have is you

Jesus
If you hear my last breath
Don't leave me here
Left to die a lonely death
I know I have sinned but Lord I'm
Suffering

Jesus
All my troubles
All My pain
Will leave me
Once again

Bellísima versión de Charlie Haden y Pat Metheny

Pulsar Vela

2009-05-23T20:54:00.002-07:00

Pulsar

En julio de 1967 se captó una secuencia de señales radioeléctricas extrañas. Se estaban buscando cuásares mediante una técnica llamada IPS (interplanetary scintillation) en un radiotelescopio diseñado por Antony Hewish. No era el radiotelescopio que estamos acostumbrados a ver, de esos en forma de antena parabólica. Éste estaba formado por un millar de postes de unos 3 m de altura que sostenían dos mil antenas (dipolos) interconectadas. El montaje, de 1.6 ha de extensión y con un par de centenares de km de cable y alambre, se llamaba Interplanetary Scintillation Array (IPS Array) y estaba en el Observatorio Mullard de Radioastronomía en la Universidad de Cambridge.

El IPSA exploraba una zona del espacio entre 50º y -10º con una periodicidad de cuatro días. Los resultados se imprimían con plumillas en rollos de papel a razón de unos 34 m al día. Estos registros eran examinados manualmente por Jocelyn Bell Burnell que con 23 años estaba trabajando en su tesis doctoral. A las pocas semanas de analizar los registros, Jocelyn encontró unas señales que no encajaban con el típico centelleo de los cuásares que estudiaban pero tampoco parecían interferencias. Se dió cuenta también de que, aunque desaparecían y reaparecían, venían de la misma zona del espacio.

Jocelyn Bell en el IPS Array (1968)

De acuerdo con su director de tesis, Antony Hewish, decidieron acelerar el papel para tener una mejor discriminación de la extraña señal. Esto no podía hacerse de forma continua porque suponía unos 3 km de papel al día por lo que se buscaron sólo los momentos adecuados. Durante semanas Jocelyn no fue capaz de dar con la dichosa señal hasta que una noche, a finales de noviembre de 1967, reapareció. Se trataba de una serie de pulsos regularmente espaciados.

Una noche antes de la Navidad, Jocelyn se puso a examinar otras zonas diferentes en los registros y encontró algo que parecía similar en la zona de α-Casiopea. Confirmó que aparecía en otros días y unas horas más tarde analizó con el radiotelescopio la zona sospechosa durante apenas cinco minutos: los pulsos aparecían claramente con periodos de 1.2 segundos.

Un análisis exhaustivo de los registros permitió encontrar dos nuevos conjuntos de señales: ya iban cuatro. Aunque los llamaron LGM2, 3 y 4, la hipótesis de los hombrecillos verdes se deshizo: era altamente improbable que cuatro mundos extraterrestres enviaran a la vez y en la misma frecuencia señales similares desde lugares tan distantes. Tenía que haber otra causa.

A partir de ese momento y tras un periodo de popularidad "mediática", Jocelyn Bell abandonó las observaciones y se dedicó a sacar adelante su tesis sobre los cuásares, su objetivo inicial. Luego cambió de lugar de residencia y de trabajo y no volvió a trabajar en el asunto que la hizo efímeramente famosa. Siguió su carrera universitaria y este año 2007, con 64 años, recibió el doctorado honoris causa por las universidades de Oxford y Durham.

La fuente de las insólitas señales resultó ser un alucinógeno tipo de estrella que recibió el nombre de púlsar (de pulsating star). Los púlsares tienen una masa similar a la de nuestro Sol, sólo que reducida a una esfera de pocas decenas de km de diámetro. Son un tipo de estrellas de neutrones con un campo magnético algo más intenso que el terrestre, sobre un billón de veces más o menos. La radiación se emite por los polos de dicho campo que, al no estar alineados con el eje de rotación, convierten a la estrella en un faro cósmico. Los periodos de rotación de los púlsares son difíciles de asimilar: el de LGM1, llamado después PSR B1919+21, es de 1.3373 s; PSR B0531+21 (púlsar del Cangrejo) gira 30 veces cada segundo; PSR B1937+21 tiene un periodo de 0.0015578 s, es decir, gira 642 veces por segundo. La superficie de este púlsar se mueve a 1/7 de la velocidad de la luz.

El púlsar Vela por el observatorio de Rayos X Chandra

Es una estrella que emite radiaciones a intervalos breves y regulares, como si se tratara de un radiofaro.
Este singular comportamiento se explica admitiendo que los púlsar son estrellas de neutrones, en rápida rotación alrededor de su propio eje. http://golemp.blogspot.com/

Y así suena el pulsar Vela:

&amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://www.divshare.com/flash/playlist?myId=7188629-fa2" target="_blank"&amp;amp;amp;amp;amp;gt;http://www.divshare.com/flash/playlist?myId=7188629-fa2&amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;gt;

La otra versión

Le noir de l'etoile III. Pulsar Vela
Grisey compuso la obra luego de conocer al astrónomo y cosmólogo Joe Silo en 1985. “…él me introdujo al sonido de las pulsares. Fui seducido por aquellos sonidos de la Pulsar Vela e inmediatamente me pregunté, como Picasso cuando recogió el asiento de la bicicleta, ‘¿Qué podría yo hacer con esto?’”, explica en un texto de presentación de la obra. La respuesta llegó pronto. El compositor integró el sonido de las pulsares, sin ningún tipo de manipulación, en su trabajo musical, dejándolo existir simplemente como punto de referencia, “usando sus frecuencias como tiempos y desarrollando las ideas de rotación, periodicidad, desaceleración, aceleración y pequeñas fallas que tanto seducen a los astrónomos”.

Le noir de l’etoile se compone de seis partes, dos de ellas dedicadas a la Pulsar Vela y a la Pulsar 0329+54, más una presentación y tres movimientos. Una obra que, además, es perfecta para la celebración del Festival por el Año Internacional de la Astronomía. “El cielo es un espacio de ruido, ritmo y violencia –dice a propósito de esta obra de Grisey el astrofísico francés Jean-Pierre Luminet–. La música de Grisey es, de hecho, como la imagen de las estrellas: a veces rítmica, violenta, inquietante, balbuceante, que vuelve a empezar incesantemente”.

Viens Mallika

2009-03-19T14:12:00.000-07:00

Leo Delibés (Saint Germain-du-Val 1836 - París 1934) Compositor y organista francés. Adquirió fama como autor de los ballets La source (1866), Copelia (1870) y Silvia (1876) y de las óperas líricas Lakmé (1883), su mejor obra, y Kassya, su última ópera. kalipedia

Lakmé es uno de los mejores ejemplos del estilo oriental francés que empapa la música gala en el último cuarto del siglo XIX. Es una obra escénica lírica, ligera, muy del gusto de la burguesía francesa de todo el siglo XIX. A pesar de su carácter conservador, presenta melodías de singular belleza y una cuidada orquestación, que la han mantenido firme en el actual repertorio operístico. Esta ópera cuenta los amores imposibles entre la hija de un brahman y un oficial del ejército inglés durante la colonización inglesa de la India.

Dulcemente deslicémonos:
de su oleaje encantador
sigamos la corriente fugaz
en el agua temblorosa.
Con mano indolente
ven, lleguemos al borde,
donde el pájaro canta.
Bajo la cúpula espesa,
bajo el blanco jazmín
¡ah! vayamos unidas.

Joan Sutherland & Marilyn Horne

La otra versión.

Después de pertenecer al grupo de Billy Cobham "Jazz Interactions" se inició como líder en los estudios de grabación con el álbum: "Inner City blues" grabado en 1971, para la serie de jazz del legendario sello "Motown"; una sesión programada en principio para su maestro Hank Crawford. Aunque no fue hasta 1980 cuando alcanzo su máxima expresión artística con el disco grabado para el sello Elektra titulado: "Winelight", un álbum de fusión explícita que además mereció un doble premio Grammy. Sus influencias fueron los saxofonistas clásicos de jazz, aunque su estilo, basado en una sonoridad cálida y un fraseo melódico y vehemente buscaba apoyo de ritmos obsesivos fácil de escuchar y de clara vocación bailable. Contribuyó a divulgar, a su manera, ciertos rasgos del jazz que aprovecharon también con menos fortuna, músicos como Kenny Garret. Su alejamiento progresivo de los ámbitos del jazz, para dedicarse a una producción mas comercial, le restó atención en los círculos especializados del jazz y también fue olvidado por los aficionados, que veían como su música derivaba hacia otra cosa. apoloybaco

Grover Washington Jr.

El "Dueto de la flores" de Lakmé se encuentra en el disco posthumo de Grover: "Aria" (Grover murió en el 99 a los 58 años). Un smooth jazz melancólico que muestra porque siempre ha sido imitado en este genero por otros saxofonistas. Si el smooth jazz siempre tuviera la calidad que le imprimió Grover Washington Jr. no sería visto como un género "comercial".

El pueblo unido jamás será vencido

2009-01-25T00:32:00.000-08:00

Los hitos contemporáneos se recuerdan muchas veces a través de las canciones que acompañaron a sus protagonistas. En Chile, la llegada al poder de la Unidad Popular, en 1970, tuvo dos grandes himnos, reconocibles popularmente hasta hoy y no sólo en nuestro país. "Venceremos" y "El pueblo unido jamás será vencido" son las dos creaciones más famosas de Sergio Ortega, un músico nortino que también se ocupó en obras para el mundo docto, teatral y cinematográfico; y que se asoció en proyectos creativos con los más grandes nombres de la Nueva Canción Chilena (principalmente los grupos Quilapayún e Inti-Illimani). Además, su trabajo junto a Pablo Neruda dio forma a la ópera Fulgor y muerte de Joaquín Murieta, la única obra del género con firma del Nobel chileno. El autor se estableció en Francia luego del Golpe de Estado, y su muerte, en septiembre del 2003, fue noticia de cobertura internacional.

"Sépanlo: Uno nunca es más chileno que cuando está lejos, eso es lo primero que ustedes tienen que saber. Nunca se va tan profundamente hacia la médula del país que cuando uno no lo tiene cerca" (...) "Quisiera hablar un poco acerca de la Nueva Canción Chilena. Ha sido un inquietud que he tenido siempre, no porque sea nueva ni chilena, sino ¿por qué razón existió? ¿Cómo se produjo esto? (...) "La Nueva Canción Chilena era absolutamente inevitable, más allá de la voluntad de Lucho (Advis) o Horacio (Salinas) -a quienes les agradezco esta invitación-, la mía o la de todos los compañeros que hicimos, hemos hecho y seguimos haciendo la Nueva Canción Chilena, que sigue siendo nueva en Chile. Era inevitable porque había una ola muy grande, una ola que movía al país desde el fondo hasta arriba. Era una ola que pasaba por todo, que filtraba todo. No había manera de oponerse, era una ola de cambio. Nosotros, los de entonces ya no fuimos los mismos -como dice Neruda-. Eramos otra cosa. Estábamos movilizados hacia otra cosa." (...) "No es por nada que el año ‘65 un grupo de muchachos dice: ‘Estamos cantando muy suavecito en Chile, vamos a gritar un poco. Estamos tocando muy suavecito. Estamos muy tranquilos en Chile. Vamos a pegarle más fuerte’. Ese grupo de muchachos se llaman los Quilapayún… Rindo homenaje al Quilapayún de quien muchas cosas me separan pero rindo homenaje a la historia del Quilapayún y al rol que este conjunto cumplió junto a todos nosotros en la batalla única, inolvidable, inmensa con lo cual el pueblo chileno entra en lo universal del siglo XX" (...) "Y digo que la ola que nos movía a todos era tan profunda que nos daba vuelta dentro y nos decíamos, claro: estamos escribiendo música de cámara -eso es lo que yo pensaba-, pero nos están llamando de afuera, el pueblo está golpeando fuera. Uno abre la ventana y está el pueblo. No podemos seguir encerrados en nuestro quehacer. Entonces me di cuenta que efectivamente la Nueva Canción Chilena es inevitable porque es una nueva forma que corresponde a un nuevo contenido y eso es inevitable. Podemos hacer lo que queramos contra, podemos organizar empalizadas, podemos organizar trincheras o todo lo que uno quiera pero cuando la historia pasa, pasa. No hay nada que pueda atajar a la historia".

Fuentes: http://www.musicapopular.cl/2.0/index2.php?op=Artista&id=1208 http://lavquen.tripod.com/arsergioortega.htm

En 1982 el bajista Charlie Haden reuné a la Liberation Music Orchestra par crear un álbum lleno de tristeza, belleza y cantos de libertad.Con arreglos de Carla Bley y acompañados por Sharon Freeman, Mick Goodrick,Jack Jeffers, Michael Mantler, Don Cherry, Gary Valente, Steve Slagle, Jim Pepper, Paul Motian and Dewey Redman.

Haden y Bley crean una suite de cantos de protesta de Latinomaerica y España, titulada The Ballad of the Fallen - "La balada de los caídos" canción salvadoreña encontrada en el cuerpo de un estudiante masacrado por la guardia civil. Desde las canciones catalanas "Els segadors" y "Y la santa espina" hasta la chilena "El pueblo unido" realizan un tributo furioso y catártico a los caídos en las luchas antifacistas. El tono contemplativo y funesto de la obra nos lleva a pensar que no se trata de jazz.

Nacido en 1938, el compositor y pianista norteamericano Frederic Rzewski estudió con Milton Babbitt y Roger Sessions en su país, así como con Luigi Dallapiccola en Italia. Pronto comenzó a actuar como pianista, estrena obras de Stockhausen y Wolff, funda el grupo Musica Elettronica Viva, que combinaba improvisación y electrónica en vivo, y compone sus primeras obras. Sin embargo, no es hasta 1975 que alcanza fama con The People United Will Never Be Defeated, una especie de síntesis de estilos y técnicas del modernismo, plasmada en una partitura de grandiosidad postromántica.

La gama de estilos abarca desde la vanguardia y efectos en el piano hasta pasajes de free jazz, pasando por alusiones al blues, la música popular y una polifonía densa. Hacia la primera mitad de la pieza, la canción de Ortega es reforzada por elaboraciones de otra canción revolucionaria, Solidaritätslied de Hanns Eisler, y en varios momentos se cita la canción italiana Bandiera Rossa. El interés de Rzewski por la improvisación aparece al final de la pieza, justo antes del retorno del tema, cuando el pianista tiene la oportunidad opcional de improvisar y ofrecer sus propios comentarios sobre todo lo que ha pasado.

Fuente: http://www.beethovenfm.cl/index.php?option=com_content&task=view&id=2361&Itemid=49

Aquí las primeras y las últimas variaciones

Con Rzewski.

Con Bobby Mitchell

2008-09-08T17:12:00.000-07:00

Bésame mucho

Consuelo Velázquez escribió esta canción en 1940 y desde entonces a sido interpretada y grabada por cientos de artistas, y en una veintena de idiomas. Se considera la canción en español más difundida en el mundo.

Cita de: www.biografiasyvidas.com

Consuelo Velázquez nació en Ciudad Guzmán, en el estado mexicano de Jalisco, el 21 de agosto de 1916. A los cuatro años, su tío le regaló un pequeño piano del que arrancó con facilidad varias melodías que habían llamado su atención, entre ellas la del himno nacional. Su padre, un soldado con alma de poeta, aceptó que compatibilizara la escuela con el pentagrama y la inscribió en la academia de música Serratos, donde ofreció su primer recital a los seis años. Al comenzar la secundaria, ya sería pianista.

La muerte del padre dejó a su madre a cargo de cinco hijas y aceleró la carrera de Consuelo. En pos de su maestro, Ramón Serratos, se trasladó a Ciudad de México, e intensificó sus estudios en el mejor conservatorio del momento, la escuela del palacio de Bellas Artes. Allí se licenció en 1938 como pianista concertista y maestra de música, con un concierto que fue aplaudido por los más reconocidos maestros de la época constituidos en jurado calificador.

Consuelo Velázquez fue invitada poco después a participar en el curso de perfeccionamiento de obras que impartía el famoso pianista Claudio Arrau, quien escribió elogiosos comentarios sobre su talento pianístico. Pero pocos sabían entonces que, desde años atrás, liberaba sus inquietudes componiendo tiernas canciones de amor. Porque le “salió del corazón”, escribió Bésame mucho a los diecinueve años, cuando, según diría después, “era muy formal y ni siquiera había besado a nadie, ni sabía lo que era un beso”.

La naciente emisora de radio XEQ, que habría de ser la más popular de México, la contrató para un programa de música clásica. Consuelo desgranaba media hora de melodías tras ser presentada por el locutor como “un prestigioso músico europeo” de complicado apellido polaco. Enamorado de la bella y joven pianista, el director de programación de la emisora, Mariano Rivera, le permitió ir introduciendo algunas de sus propias canciones, cuya autoría achacaba Consuelo a una amiga imaginaria, porque no estaba bien visto que una concertista cayera en la frivolidad del bolero, que entonces desataba el sentimiento popular entre Cuba y México.

No obstante, las cartas de los oyentes mostraron pronto que preferían escuchar las notas que revelaban las angustias del último beso o los desvelos del amado, que las piezas de Bach, Debussy, Saint-Saëns o Ravel que interpretaba la oculta pianista. Mariano Rivera le pidió entonces, “por una cuestión de derechos de autor”, que le revelara el nombre de la amiga talentosa. La compositora salió a la luz, en momentos en que multiplicaba sus canciones al calor de un enorme aparato de radio que le traía las noticias de la II Guerra Mundial. La estrella del momento, Emilio Tuero, grabó Bésame mucho en el año 1941.

Emilio Tuero, el barítono de Argel (era tenor y nacido en Santander), de rasgos finos y aristocráticos, era la estrella de la radio y del cine mexicano de los años 30, su fama fue opacada y su carrera palideció con la llegada de las películas de charros y el auge de la música ranchera. Aunque "Bésame mucho" traspaso fronteras con la interpretación del chileno Lucho Gatica, fue Tuero el primero en grabarla.

Emilio Tuero - Bésame Mucho
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La inspiración

Consuelo Velázquez confesó haberse inspirado en un aria de la opera "Goyescas" de Granados para componer su "Bésame Mucho". Esta ópera la compusó el compositor español Enrique Granados, sobre la suite para piano "Los majos enamorados", obra que surgió en la inspiración de los cuadros de Goya. Decía Granados:

Citar

Me enamoré de la psicología de Goya, de su paleta. De él y de la duquesa de Alba; de su maja señora, de sus modelos, de sus pendencias, amores y requiebros. Aquel blanco rosa de las mejillas contrastando con blondas y terciopelo negro con alamares; aquellos cuerpos de cinturas cimbreantes, manos de nácar y de jazmín posadas sobre azabaches, me han transtornado

Y de su ópera goyescas el aria "Quejas" o "La maja y el ruiseñor", que poco se parece en la letra y apenas una frase en la música a "Bésame Mucho".
Y cabe un comentario, en la partitura para piano aparece la siguiente anotación sobre la interpretación de esta pieza: "Con celos de mujer, no con tristeza de viuda"

Victoria de los Ángeles - La maja y el ruiseñor
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La otra versión

Me fue muy difícil elegir la otra versión en esta ocasión. De entre las más de cien interpretaciones que encontré me impresionarion unas veinte, y al pasar por el segundo tamiz eliminé otras diez. Pero no quería saturarlos con una docena de versiones de la misma pieza, así que en esta ocasión les presento la que consideré la mejor reinterpretación y en una entrega posterior presentaré las que se quedaron en la raya.

La versión del pianista Chucho Valdés muestra su maestría como jazzista y como músico de concierto. Chucho Valdés se formó en el Conservatorio de la Habana y es fundador del grupo Irakere. Es un músico que disfruta el jazz, la música sinfónica y la música popular, y que transmite ese difrute a quien lo escucha. En esta interpretación combina todo el sabor del trópico con la sonoridad de un piano de concierto y nos lleva por las inumerables veredas de la improvisación jazzística. En un momento olvidan la tristeza de la despedida de "Bésame mucho" y se sumergen en un océano de armonías que no imaginaban que existiesen.

Chucho Valdés - Bésame mucho
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2008-08-05T15:14:00.000-07:00

La Bamba - Son veracruzano

Después de buscar en algunos sitios encontré diversas explicaciones del origen de La Bamba, pero todas coinciden en que se originó en la época en la que el Puerto de Veracruz (en el Golfo de México) era asediado por piratas. Este puerto era el más importante de la Nueva España y todo el comercio colonial desde California hasta Centroamérica dependía de él.

Quizá la explicación que cito a continuación no sea la más veráz pero es la más enjoyada.

Cita de: tomado de miveracruz.blogspot.com

El origen de la bamba

La bamba nació el 16 de mayo de 1683 en los médanos de Malibrán, justamente donde se encontraba la hacienda del mismo nombre, propiedad de doña Beatriz del Real, famosa por su belleza y proclividad a los fandangos en la época de La Colonia.

La autoría corresponde a un tal Lino cuyo apellido no se precisa, pero que se ubica como El Guaruso.

La historia referida es que el Guaruso era un trotamundo que se ganaba la vida como jaranero y decimista. Así es como llega a Malibrán, invitado por unos peones que había conocido por el camino.

En la hacienda fue su jarana mágica alegría para el cansancio de la peonada, nocturnal bullicio en los bohíos y obligado remate en las fiestas de la molienda y guarapera.

El Guaruso se sentía a gusto entre esa gente, sobre todo porque Rita, La China, una guapa medellinera, de grato porte y galanura, le traía embullado.

Cierta mañana, cuando la gente hacía la tumbada en el cañaveral, por el camino de Veracruz, empolvado y sudoroso, llegó a la hacienda Sabás, el recadero de doña Beatriz, quien dejando el mulo a pie de la talanquera corrió hasta la ermita y sacudió a rebato la pequeña campana.

El sonoro ¡quitilán, quitilán! se esparció por la campiña convocando a reunión a la peonada, que mocha y guataca en mano salió por la guardarraya de los cañaverales hasta el casco de la hacienda, y al interrogar a Sabás la causa de la escandalera este sólo exclamo: "¡Los piratas!"

En efecto, por la punta de Antón Lizardo se perfilaba una escuadra de barcos piratas, comandados por el feroz Lorencillo, que de manera sigilosa se dirigía rumbo al puerto de Veracruz.

Malanga, un mulato fornido y emprendedor, de quien se decía gozaba de los favores de doña Beatriz, temeroso de que desembarcaran en los médanos de Malibrán, organizó a la peonada, sacó los viejos arcabuces del bodegón y con serena palabra y valerosa actitud incitó a los hombres a la lucha por la defensa de la hacienda y las mujeres.

Toda la noche se trabajó en la hacienda preparando arreos, amarrando troncos y acarreando a la playa hasta el pequeño cañón de salva con el que se aunciaban todos los festejos de la patrona de la ermita.

Mientras todo esto sucedía, El Guaruso, tumbado bajo el techo del trapiche rasgueaba su jarana y machacaba el sonsonete de un cantar:

"Quitilan, quitilan,/ que suenan las campanas de Malibrán/, qué vienen los piratas que no vendrán.../ Qutilín, quitilín,/ que suena la campana de Medellín/ y que suena y suena a rintintín".

Amaneció, Malanga, posicionado en el médano más alto de la playa escudriñaba el mar en la lejanía, viendo cómo el velamen de los abejeles de Lorencillo se enderazaba rumbo a Veracruz.

A galope su caballo regresó a la hacienda donde doña Beatriz, rodeada de mujeres, lo esperaba con impaciencia. Para ella era mejor huir, dejar la hacienda abandonada y buscar abrigo en los pantanos de Medellín con las mujeres y niños.

¿Que harán ustedes?, decía doña Beatriz a Malanga, que ni marineros son. A lo que el mulato respondió: "No soy marinero, pero aquí seré". Acto seguido arrancó con su gente rumbo al Playón.

Viendo esto, doña Beatriz ordenó encerrar a los niños en la ermita, reunió a las mujeres y con voz imperante les dijo: "!Nuestros hombres se han ido a la luchar a la playa. Vamos tras ellos, Les animaremos hasta verlos vencer!".

Pero cuando se acercaban a la, digamos trinchera, ya por el palmar cercano venía la peonada con Malanga al frente gritando de júbilo, pues Lorencillo había pasado de frente rumbo a Playa de Hornos, para ubicar sus naves e iniciar el bombardeo al puerto.

En la hacienda todo fue regocijo, festejándose como triunfo la pretendida defensa.

Doña Beatriz y el mulato Malanga dispusieron el fandango, y El Guaruso, ya en la guarapeta entonó su jaranera copla.

Asi fue como, según don Ramón Río García, quien consultó un trabajo de Francisco Avila Rivera, basado en testimonios de los viejos de la comarca, que en tiempos de La Colonia, un trovero, El Guaruso, bordó típico cantar, que se asentó en la campiña jarocha como obligada ejecución en bailes y fandangos, ganando posteriormente la gloria de ser la reina del son jarocho.

La palabra bamba es de origen africano que significa fiesta, huateque o celebración. Como ese día en Malibrán se armara la fiesta, pués se armó la bamba.

Algunas coplas originales de La bamba se han ido modificando o incrementando según el intérprete en turno. Incluyendo al propio Guaruso, que a su composición hubo de agregar aquello de "para subir al cielo se necesita una escalera grande y otra chiquita", ya que después de haber sido perdonada la hacienda del ataque de piratas que tenían por costumbre arrasar todo a su paso, los lugareños se sintieron protegidos del Señor, como si estuviesen en el mismísimo cielo. De ahí que el compositor ubicara la Gloria en Malibrán siendo la escalera grande aquella que daba acceso al médano donde se encontraba la hacienda, y la "chiquita" la que libraba la barda que rodeaba la misma.

Carmen me insitió que tenía que poner un video y no sólo la música, y con toda razón. El baile es muy llamativo e incluye tradicionalmente que una pareja ate un moño con los pies. Además el traje típico de Veracruz es de los más bonitos del país. La música la interpreta el Conjunto Jarocho Medellín.

Las otras versiones.

La popularidad de La Bamba es patente al existir docenas de interpretaciones en los más diversos géneros, desde la easy music hasta la música de concierto. He aquí una pequeña selección.

Una de las más populares es la de Ricardo Valenzuela "Ritchie Valens", de quien hasta se realizó una hollywoodense película biográfica. En definitiva su versión no me parece de gran calidad (incluso Los Lobos la reinterpretan mejor), pero es muy famosa y ya es un referente. La Bamba en versión Rock 'n Roll.

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Versiones en Easy-Music abundan, con marimbas, orquestas de cuerdas, orquestas de metales. Muy descafeinadas o sacadas de una caricatura de Speedy González. Pero Juan García Esquivel merece una mención aparte, el padre del Space-Age Pop abusa de la stereofonía y el kitsch.

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También les presento dos versiones de jazz. La versión endemoniada de Dave Brubeck, incluida en el disco de música mexicana Bravo! Brubeck y grabado en el 67 en vivo en la Ciudad de México. El concierto se dividió en dos discos, en el primero interpreta sus exitos y algunos standars y en el segundo arreglos sobre canciones mexicanas y latinas. Lo acompañan Paul Desmond, Eugene Wright y Joe Morello y los músicos locales Benjamín "Chamín" Correa (guitarra) y Salvador "Rabito" Agueros (congas).

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También el monstruo del jazz latino Cal Tjader tiene su versión de La Bamba. Con arreglos de Gary McFarland agrag un toque de funk a este rico jazz tropical para pararse a bailar o ponerse el traje de baño y aventarse al mar. Por si fuera poco lo acompañan João Donato en el organo, Ray Barreto y orestes Vilato en las percusiones, Bobby Rodriguez en el bajo y Mike Abene en el teclado.

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La versión Sociedad Filarmónica de Conciertos dirigida por Eduardo Alvarez difiere de otras orquestaciones al intentar ir más allá de la mera adaptación de la música folklorica a un conjunto sinfónico. Los arreglistas de la SF (Lifshitz y Toussaint principalmente) tuvieron la libertad creativa para experimentar nuevos enfoques a la música nacional, lejos de discursos oficiales. En general el resultado es brillante y en algunas piezas resultó sorprendente.

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Finalmente concluímos con una versión mestiza, muy atada a las raíces mexicanas, la versión de Lila Downs, quien en entrevista afirmó:

Cita de: de ultrasónica.info

“La Bamba” es algo que he querido hacer desde hace mucho tiempo. Me preguntaba cómo establecer un vínculo con nuestros ancestros africanos, nuestra ‘tercera raíz’, como nosotros la llamamos. Trata también de una guerra que tuvo lugar en Veracruz; hay un verso que dice ‘¿Yo seré marinero? Nunca lo seré’. En cierto modo quería retomar esa idea.”

2008-07-30T11:37:00.000-07:00

Heroes
David Bowie / Brian Eno
Tomado del blog 1000 Espejos

Corría el año 1977 y varios sucesos daban que hablar en el mundo de la música: un desgastado Elvis Presley moría de sobredosis, los Sex Pistols sacaban su irritante y poderoso disco Never Mind the Bollocks, mientras que la television lanza el mítico Marquee Moon. Por ese entonces, David Bowie se arriesgaba con uno de sus más controversiales e históricos hits: “Heroes”.

La historia dice que Bowie pasaba sus días en Berlín, en una dura rehabilitación de la cocaína, cuando espió desde su ventana a dos amantes teniendo un encuentro en el Muro de Berlín. “Pensé, de todos los lugares para encontrarse en Berlín, ¿por qué elegir un banquillo que estaba bajo una torrecilla de guardias del Muro?”, dijo en su momento el cantante.

El autor solloza con furia por estos condenados amantes, que encuentran un momento de redención juntos, sólo por un día. Un relato de amor que fue musicalizado por grandes nombres de la música británica, entre ellos, el mismo Bowie (voz, saxo y teclados), el ex Roxy Music, Brian Eno (sintetizadores) y Robert Fripp, guitarrista de King Crimson, (guitarra). Una combinación ruda que, sumada a la producción de Tony Visconti, (T. Rex y hoy por hoy Morrisey) dio como resultado una composición tan melancólica como contingente.

La excepcional letra - coescrita por Bowie y Eno - muestra un cariz irónico, pero a la vez altamente romántico y triunfal. Tal vez, es esa cualidad de decir más de lo que aparenta la razón por la cual tantas bandas de diferentes estilos e influencias musicales se identifican y conmueven con esta canción, haciendo sus propios intentos por reinventarla. Nico, Blondie, The Wallflowers, Billy Corgan, The Magnetic Fields, Oasis, entre muchos otros han reversionado este clásico.

"Heroes" habla de amor, de anhelos y de esperanza en un tiempo en que las dificultades son mayores, los espacios más restringidos y mayor la rabia. Se ha convertido con el tiempo en un himno esperanzador, que grita fuerte contra la represión y el anonimato y a favor del amor y la valentía, por medio de un acertado y emotivo coro que sigue inspirando a muchos:“We can be heroes, just for one day”.

La otra versión
Philip Glass

Tomado de la página de Philip Glass

Justo como los compositores del pasado han vuelto la mirada a la música de su tiempo para crear nuevas obras, la obra de Bowie y Eno se convirtió en la inspiración y punto de partida para una serie de sinfonías propias.

Como he estado envuelto en el mundo de la danza por muchos años, naturalmente le mencioné la Sinfonía "Heroes" a la coreografa nortemericana Twyla Tharp. Sin rodeos quería "Heroes" para su nueva compañía de danza, y pronto nos reunimos con David. El compartió inmediatamente el entusiasmpo de Twyla y me encontré de pronto escribiendo una partitura sinfónica que se convertiría en ballet.

- Philip Glass

Philip ha puesto más de sí mismo en este nuevo albúm, pero la ironía es que creo que en realidad enfatizó más en mi voz original. Escuchar este material es un poco como ser presentado a un hermano o hermana que te han dicho que tienes y del cual no conocías su existencia. Y cuando lo conoces, obviamente la familiaridad de los razgos familiares resalta, pero hay toda una vida y todas esas cosas han crecido sin tu conocimiento. La música tiene características que reconozco inmediatamente, pero tiene vida propia, No tiene nada que ver conmigo. Tiene todas esas expeirencias que yo no conozco.[...] yo me siento mucho más cercano al sentimiento entrañable de lo que intentaba hacer.

- David Bowie.

La versión minimalista de Philip Glass.

La diferencia entre una versión y la otra son 20 años y un muro. Pareciera que el sentimiento de injusticia de la versión Bowie se transformara en una visión más esperanzadora del mundo.

Y otra más
Aphex Twin

La versión remix encargada a Aphex Twin resulta un trabajo que a muchos oídos puede resultar chocante. Mezclar la música orquestal de Glass con la voz de Bowie no es una tarea sencilla y para algunos el resultado no es el mejor. Quizá es que las dos visiones expresan sentimientos dispares. Pero escúchenlo por curiosidad, el trabajo de Aphex Twin es muy bueno y está respaldado por una larga carrera de DJ y la incursión de sus composiciones en el repertorio de la London Sinfonietta. Es un músico excéntrico e irreverente. La segunda vez que la escuchen ya sabrán que esperar y quizá se formen una mejor opinión.

Aphex Twin - Heroes

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2008-07-16T12:24:00.000-07:00

Colaboración de Theenus.

Bolero, por Maurice Ravel

El Bolero (en francés Boléro) es una obra musical creada por el compositor francés Maurice Ravel en 1928 y estrenada en la Ópera Garnier de París el 28 de noviembre de ese mismo año. Ballet compuesto y dedicado a la bailarina Ida Rubinstein, su inmediato éxito y rápida difusión universal lo convirtieron no solamente en una de las más famosas obras del compositor, sino también en uno de los exponentes de la música del siglo XX.

Movimiento orquestal inspirado en una danza española, se caracteriza por un ritmo y un tempo invariables, con una melodía obsesiva, en do mayor, repetida una y otra vez sin ninguna modificación salvo los efectos orquestales, en un crescendo que, in extremis, se acaba con una modulación a mi mayor y una coda estruendosa.

Pese a que Ravel dijo que consideraba la obra como un simple estudio de orquestación, el Boléro esconde una gran originalidad, y en su versión de concierto ha llegado a ser una de las obras musicales más interpretadas en todo el mundo, al punto de que hasta el año 1993 permanecía en el primer lugar de la clasificación mundial de derechos de la «Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique» (SACEM).

Ravel mismo describió esta obra: «Es una danza en un movimiento muy moderado y constantemente uniforme, tanto por la melodía como por la armonía y el ritmo, este último marcado sin cesar por el tambor. El único elemento de diversidad es aportado por el crescendo orquestal». Si la obra fue compuesta en forma de ballet, la suite de solos instrumentales destaca los talentos individuales, pero también la homogeneidad colectiva de cada pupitre, ya que todos los miembros de la orquesta participan por igual en un acompañamiento imperturbable: es la definición misma de un nuevo género musical que ve la luz en esa época: el «Concierto para orquesta». La rítmica y el carácter melódico hispano, e incluso más precisamente andaluz, se acercan igualmente al espíritu de las composiciones rapsódicas muy a la moda a finales del siglo XIX y principio del XX.

El ritmo

El ritmo adoptado por Ravel es el ritmo típico del bolero en tres tiempos, con la indicación «Tempo di bolero moderato assai» («tiempo de bolero muy moderado»). Contrariamente a la danza original, que tradicionalmente se acompaña de castañuelas o de panderetas, eligió el tambor de orquesta, metamorfoseado después en caja orquestal, para marcar el ritmo de esta danza típica. La célula rítmica comprende dos compases casi idénticos, con una variación mínima en el tercer tiempo del segundo compás. El ostinato es repetido por una, y después dos cajas orquestales, desde el primer al antepenúltimo compás, y luego sigue el gran crescendo, para ser finalmente tocada por el conjunto de la orquesta en la coda.
Tomado de Wikipedia

La otra versión

En honor a la Zappa-week, tenemos este maravilloso disco grabado en vivo, de un tour entre febrero y junio de 1988. Esta colección contiene arreglos para big-band (aparte de 3 guitarras, teclados, bajo y batería, hay trumpeta, trombón, hartos saxes (alto, soprano, barítono y tenor (¿se vale abrir paréntesis, dentro de paréntesis?, digo en matemáticas se vale)), clarinetes y percusionista). de las favoritas de concierto (léase Heavy Duty Judy, More Trouble Every Day) y versiones desquiciadas de (lo que nos ocupa a nosotros) covers.

En particular tenemos esta exquisita versión del Bolero, bastante concisa (sólo 5:19min) y con ligeros toques de humor (un brevísimo homenaje a The Knack).

Aparte el disco cuenta con los siguientes covers: Ring of fire (del señor Johnny Cash), I left my heart in San Francisco, Purple Haze, Sunshine of your love, When Irish Eyes are smiling, el tema del Padrino II, y maravilla de maravillas (diga lo que diga mi cuate Enrique) Stairway to Heaven.

Fanfarría para el Hombre Común

2008-06-23T14:07:00.000-07:00

Sin duda, la más popular de las composiciones de Aaron Copland, frecuentemente utilizada en eventos deportivos y por algunos grupos de rock como introit o encore de sus conciertos. Esta obra surge como encargo de Eugene Goossens, director de la Orquesta Sinfónica de Cincinnati, quien durante la Primera Guerra Mundial pidió a músicos británicos componer una fanfarria para el inicio de cada concierto. Durante la Segunda Guerra Mundial, para la temporada de conciertos 1942-1943, decidió revivir la experiencia pero con compositores norteamericanos. En tiempos de guerra los conciertos suelen abrir con himnos nacionales.

Goossens sugiró que las fanfarrias estuvieran dedicadas a soldados, marineros o pilotos, incluso escribió a Copland lo siguiente:
"... mi idea es convertir estas fanfarrias en contribuciones revolventes y significativas para el esfuerzo bélico ..."
Copland tomó en consideración los títulos Fanfarría para una Ceremonia Solemne y Fanfarría para Cuatro Libertades, antes de decidirse por el sorprendente Fanfarría para el Hombre Común. Goossens escribió a Copland:
"Su título es tan original como su música, y yo creo que es tan elocuente que merece una ocasión especial para su interpretación. Si estás de acuerdo, la estrenaremos el 12 de marzo de 1943 en la fecha de recaudación del impuesto sobre la renta."

El título de esta fanfarria está inspirado en el discurso (y posterior libro) de el vice presidente de Estados Unidos Henry A. Wallace, "El siglo del hombre común", en el que señala las metas que deberán preseguir los aliados en la guerra y tras ella. El discurso tiene muchísimas referencias cristianas y fue calificado de izquierdista. He aquí un fragmento:

Algunos han hablado del "Siglo Americano". Yo digo que el siglo en que estamos entrando - el siglo que saldrá de esta guerra - puede y debe ser el Siglo del Hombre Común. Tal vez será la oportunidad de América para señalar los derechos y libertades por las que el hombre común debe vivir. En todas partes el hombre común debe aprender que construir sus propias industrias con sus propias manos es una costumbre práctica. En todas partes el hombre común debe aprender a aumentar su productividad a fin de que él y sus hijos pueden llegar a pagar a la comunidad mundial todo lo que han recibido. Ninguna nación tendrá el derecho divino a explotar a otras naciones. Las naciones más viejas tendrán el privilegio de ayudar a las naciones más jóvenes de emprender el camino hacia la industrialización, pero no con el imperialismo militar ni económico. Los métodos del siglo XIX no funcionarán en el pueblo del siglo que ahora está a punto de empezar. India, China y América Latina tienen un enorme papel en el siglo del pueblo. Conforme sus masas aprenden a leer y escribir, y conforme se conviertan en máquinas productivas, su nivel de vida se duplicará y triplicará. La ciencia moderna, cuando se dedica de todo corazón al bienestar general, tiene potencialidades en las cuales aún no sueño.

Por su adhesión a este tipo de ideas, la obra de Aaron Copland sufrió el veto oficial y el compositor fue juzgado por su pertenencia la partido comunista. Sin embargo, no se le pudo probar nada y su música continuó siendo la más popular en el repertorio sinfónico nacionalista norteamericano.

Me gustaría agregar un párrafo del trabajo musicológico de Copland, de su libro ¿Cómo escuchar la música?

La cuestión realmente importante es: "¿Con qué comienza el compositor, cuál es su punto de partida?" La respuesta a eso es: todo compositor comienza con una idea musical, una idea musical, entiéndase bien, una idea mental, literaria o extramusical. Un tema se le ocurre de pronto. (Tema está empleado como sinónimo de idea musical.) El compositor parte de su tema; y el tema es un don del cielo. El compositor no sabe de dónde le viene, no tiene poder sobre él. Viene casi como la escritura automática. Por eso el comienzo suele tener un cuaderno donde va escribiendo temas según se le ocurren. Colecciona ideas musicales. No se puede hacer nada tocante a ese elemento de la composición.

De Aaron Copland, Fanfare for the Common Man, con Leonard Bernstein dirigiendo a la New York Philarmonic.

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La otra versión

Al ser tan popular, la fanfarira ha sido interpretada y reinterpretada por muchos músicos de los más diversos géneros. Incluso Copland la retoma como tema del cuarto movimiento de su tercera sinfonía, un movimiento pastoral y meditativo que temina suntuosamente.
Pero destaca la versión del grupo de rock progresivo de los 70s Emerson, Lake and Palmer. ELP experimentó con la reinterpretación de la música clásica desde su primer disco titulado The Barbarian, allí convierten el Allegro Bárbaro de Belá Bártok en una pieza de acelerado jazz. Bach, Tchaikovski, Mussorgski, Ravel, Janacek Y Ginastera también fueron interpretados por está agrupación. Incluso se dice que ellos revivieron la música de Copland, primero en 1972 interpretaron Hoedown y cinco años después en el album Works I aparece la Fanfare for the Common Man. Las interpretaciones rockeras sobre temas sinfónicos realizadas por ELP no buscan juntar dos estilos y ver que sucede, tienen un objetivo claro.
Según Keith Emerson:

En un viaje desde la libertad casi utópica de nuestra música a la escuela musical ortodoxa e institucionalizada me encontré a Joseph Eger (director de la Sinfonia de Londres en el album) que viajaba en dirección opuesta.
Desde aquella reunión hemos sido en ocasiones catalizadores en la combinación de música de nuestras diferentes contextos formando a veces una fusión, y otras veces un sano conflicto entre la orquesta, que representa posiblemente el establishment, y el trío (de rock), que representa el no establishment; nosotros teniendo completa confianza en un cerebro musical de rebelde espíritu y de muy desarrollada mente abierta, cuyas ideas reformadoras han sido despreciadas, casi escupidas por los así llamados críticos.

Del disco Works I de ELP.

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Así habló Zarathustra

2008-01-23T15:52:00.000-08:00

La idea de este blog es presentar reinterpretaciones de gran calidad de melodías de los más diversos géneros. No presentaré covers, sólo versión reinventadas donde el arreglista muestra su gran calidad como músico, capaz de crear obras originales. Comencemos este blog con una de mis favoritas.

Also sprach Zarathustra

Melodía muy popular por ambientar una escena icónica en la película de ciencia ficción de Kubrick 2001: Una Odisea del Espacio, escena que ha sido parodiada muchísimas veces sin dejar de hacer uso de la música original.

En realidad la pieza conocida como Also sprach Zarathustra (Así habló Zarathustra) es tan sólo la introducción de un poema sinfónico que lleva ese nombre, compuesto por Richard Strauss. Se trata del Opus 10 de este compositor del siglo XIX (no confundir con los Strauss de los valses) y consta de diez partes incluída la Introducción. El título de la obra lo toma del famoso libro de Friederich Nietzche, y R. Strauss busca a través de imágenes musicales ilustrar las historias y doctrinas expresadas por el filósofo a lo largo del texto. En la introducción Zarathustra deja después de diez años la vida como ermitaño e inicia su ocaso (Untergang, paso necesario para su Ubergang o trascendencia). Aquí el texto:

Cuando Zaratustra tenía treinta años abandonó su patria y el lago de su patria y marchó a las montañas. Allí gozó de su espíritu y de su soledad y durante diez años no se cansó de hacerlo. Pero al fin su corazón se transformó, - y una mañana, levantándose con la aurora, se colocó delante del sol y le habló así:
«¡Tú gran astro! ¡Qué sería de tu felicidad si no tuvieras a aquellos a quienes iluminas!.
Durante diez años has venido subiendo hasta mi caverna: sin mí, mi águila y mi serpiente te habrías hartado de tu luz y de este camino.
Pero nosotros te aguardábamos cada mañana, te liberábamos de tu sobreabundancia y te bendecíamos por ello. ¡Mira! Estoy hastiado de mi sabiduría como la abeja que ha recogido demasiada miel, tengo necesidad de manos que se extiendan.
Me gustaría regalar y repartir hasta que los sabios entre los hombres hayan vuelto a regocijarse con su locura, y los pobres, con su riqueza.
Para ello tengo que bajar a la profundidad: como haces tú al atardecer, cuando traspones el mar llevando luz incluso al submundo, ¡astro inmensamente rico!
Yo, lo mismo que tú, tengo que hundirme en mi ocaso, como dicen los hombres a quienes quiero bajar. ¡Bendíceme, pues, ojo tranquilo, capaz de mirar sin envidia incluso una felicidad demasiado grande!
¡Bendice la copa que quiere desbordarse para que de ella fluya el agua de oro llevando a todas partes el resplandor de tus delicias!
¡Mira! Esta copa quiere vaciarse de nuevo, y Zaratustra quiere volver a hacerse hombre.»
- Así comenzó el ocaso de Zaratustra.

Así la introducción es una yuxtaposición del amanecer del día y el inicio del ocaso del profeta.

Esta es la versión del op. 30 de Richard Strauss Also sprach Zarathustra interpretada por la orquesta Filarmónica de Berlín bajo la batuta de Herbert von Karajan en el año 1983.

Esta es la versión del op. 30 de Richard Strauss Also sprach Zarathustra interpretada por la orquesta Filarmónica de Berlín bajo la batuta de Herbert von Karajan en el año 1983.

La otra versión es la de Eumir Deodato. Músico brasileño, maestro del jazz y el funk, que grabó en 1972 en el disco Prelude una versión con mucho funk y mucho LSD. Los tonos amarillos y rojizos del amanecer en la versión orquestal se convierten en los pasteles y psicodélicos del amanecer a las drogas y la revolución de los 70s. Deodato no se conforma con interpretar el tema original y colocarlo dentro de una nueva sonoridad, el retoma la armonía y durante ocho minutos nos arrastra por cadencias desquiciantes de teclado y guitarra a horizontes multicolores. La falta de sonidos impresionantes de la orquesta la suple con el ritmo y la armonía desquiciante del funk. El resultado una obra de arte con efectos psicotrópicos.